Solo sagrado

“É difícil identificar um momento da minha vida em que decidi me tornar fotógrafo”, confessa Robert S. Brantley. “Lembro que quando adquiri minha primeira câmera profissional, comecei a fotografar a cidade, os detalhes arquitetônicos, tentando definir os edifícios que mais apreciava, fotografava para minha própria satisfação. A luz tocando através das superfícies, criando sombras e escuridão me fascinou e essa é uma sensação que nunca perdi.” Para falar de seu novo livro “Sacred Ground: The Cemeteries of New Orleans”, em tradução livre, “Solo Sagrado: Os Cemitérios de Nova Orleans”, o fotógrafo americano Robert S. Brantley concedeu essa entrevista ao Correspondance Magazine®. A publicação, lançada pela editora Princeton Architectural Press, tem introdução assinada por S. Frederick Starr e conta com uma seleção de imagens das tumbas dos cemitérios mais visitados de Nova Orleans, incluindo, St. Louis, existem dois, um situado no bairro francês e outro no Garden District, o Lafayette, que é um dos mais visitados da cidade, além dos cemitérios Metairie e Canal Street para citar apenas alguns dentre os cerca de quarenta que a cidade abriga.

O registro escrito e fotográfico de Robert S. Brantley aborda vinte e uma biografias com identidade, história, ritos de passagem, ilustradas pelas obras de arte encontradas na alas desses desses cemitérios, onde não há limite para os estilos arquiteturais das tumbas. “Produzir Solo Sagrado: Os Cemitérios de Nova Orleans” é a minha maneira de mostrar ao mundo o que vi enquanto andava por essas estruturas maravilhosas e suas incríveis construções artísticas. Cada túmulo ou obra de arte é uma declaração sobre uma vida, que está representada em seu interior. Essas pessoas que descansam sob esse solo influenciaram e ajudaram a criar a cidade que amo tanto.” Essa é a declaração de amor do fotógrafo e jornalista que eternizou em preto e branco as imagens e as palavras que vão ficar gravadas para a posteridade.

 Conte-nos um pouco da sua história, como tudo começou?

–  Escolhi trabalhar em preto e branco, em vez de em cores, principalmente devido às despesas do filme e do processamento. Desenvolvi meu próprio filme e criei uma sala escura temporária na minha cozinha, na qual fiz impressões. Quando uma imagem começa a se formar no desenvolvedor, tenho a sensação de assistir à mágica, ainda hoje, quando uso uma impressora digital, estou observando a impressão enquanto ela se espalha lentamente pela bandeja. O preto e branco sempre me deu uma sensação, real ou imaginária, de que poderia capturar a alma e a essência de uma estrutura, paisagem ou pessoa, enquanto a cor parecia não ter a compreensão do que eu estava tentando realizar. No entanto, usei muito as cores ao fotografar para revistas, arquitetos, livros e clientes.

Como você conseguiu combinar seu sonho de ser fotógrafo e, como jornalista, poder escrever os textos das suas próprias imagens?   

– Não queria simplesmente produzir imagens que continham uma legenda ou uma breve descrição do motivo pelo qual tirei uma fotografia específica. Meu amor pela história e arquitetura me levou a um caminho que me surpreendeu e me encantou. Confesso que me senti intimidado por isso ao mesmo tempo. Logo depois de me mudar para Nova Orleans, comecei a fotografar principalmente edifícios do século XIX: residências, edifícios comerciais e públicos. Fiquei fascinado com a intrincada relação entre o todo e as partes que fluíam tão perfeitamente. Esse interesse me levou a pesquisar estruturas, arquitetos e construtoras, além de proprietários. Comecei lentamente a acumular arquivos que foram aumentados pelas minhas fotografias, que começaram a aparecer em livros sobre a cidade e sua rica história. Por fim, comecei a escrever meus próprios livros e ilustrá-los com minhas fotografias. É algo que continuo e continuarei a fazer. É minha paixão que se tornou tangível e encarnada.

De onde surgiu a ideia de fotografar “Sacred Ground: The Cemeteries of New Orleans”?

– Quando vi os cemitérios de Nova Orleans pela primeira vez, exceto os cemitérios arquidiocesanos, eles estavam com muita vegetação e árvores estranhas cresciam em alguns túmulos. Tornei-me parte de um pequeno grupo de pessoas que passava as manhãs de sábado várias vezes por mês limpando e cortando plantas e vegetações intrusivas que estavam destruindo os túmulos. Isso nos levou a encabeçar um inventário de vários cemitérios históricos para um museu local. Durante tudo isso, me apaixonei pelos cemitérios e suas obras de arte requintadas em mármore, granito, madeira, ferro forjado e fundido. Em todo lugar que via tinha algo bonito para se olhar. Percebi que eles são gigantes museus ao ar livre. Infelizmente, ao longo dos anos, eles sofreram muito com vandalismo, roubo e erosão do tempo.

Qual o critério que você seguiu para selecionar as imagens que seriam publicadas em “Sacred Ground: The Cemeteries of New Orleans”?

– Meu objetivo ao fotografar os túmulos e as obras de arte para “Sacred Ground: The Cemeteries of New Orleans” era colocar sua rigidez em justaposição à suavidade e flexibilidade de seus arredores, trazendo nuvens, árvores e plantas para as imagens. Ao longo dos anos, vi muitas fotografias banais de túmulos e seus arredores. Muitos fotógrafos com as melhores intenções concentraram-se nos túmulos como objetos representando a morte e a decadência. Os resultados são para mim uma produção de imagens suaves e insensíveis que são mais um documento para a morbidade do que uma declaração de amor e sentimentos humanos o que, de fato, eles realmente representam. Queria tentar levar a vida abordando o assunto da morte e ilustrar ao espectador que ela, a morte, faz parte de nossas vidas tanto quanto o nascimento.

Houve um momento crucial em que você decidiu seguir seu caminho como fotógrafo?

– Em um período de dois anos na década de 1970, conheci dois fotógrafos que tiveram um profundo impacto em minha vida, fazendo-me querer ser fotógrafo. O primeiro foi Jack Cofield, amigo e fotógrafo do grande escritor William Faulkner. O segundo foi o fotógrafo principal Clarence John Laughlin em Nova Orleans. Jack Cofield encontrou três câmeras descartáveis ​​Graflex Speed ​​4 x 5 descartadas e cuidadosamente as separou e, com as boas peças, criou uma única câmera que funcionava. Tinha a aparência de uma ferramenta surrada e esgotada, mas para mim era a melhor câmera do mundo. Foi essa câmera que ajudou a lançar minha carreira. Mais tarde, em uma breve conversa, com duração não superior a vinte minutos, Laughlin me deu conselhos que me enviaram uma busca para me tornar o melhor que eu poderia alcançar pessoalmente. Seu conselho foi simples e direto ao ponto. Ele disse: fotografe e fotografe o máximo que puder e “um dia você alcançará sua câmera e não poderá dizer onde termina e começa esse processo. É nesse ponto que você se tornará fotógrafo.” Quase dez anos depois, aconteceu.

Como você se sente dentro dessa perspectiva de ‘criar em permanência’?

– Sempre sinto que ainda estou no começo de ser um fotógrafo e artista. A quantidade de trabalho que se estende diante de mim é muito maior do que o que já está feito. Estou constantemente tentando melhorar, aprender e observar mais o meu próprio trabalho. Nunca concordo com o que alguém fez ou está fazendo; Eu competir contra mim mesmo. É assim que vejo meu trabalho, uma evolução constante que nunca se instala ou cessa. Um verdadeiro artista nunca pode ficar entediado ou satisfeito com seu trabalho, porque sempre há movimento e fascínio ao seu redor. É essa consciência que é difícil de alcançar e manter. Não importa quantas fotografias tirei ou parágrafos que escrevi, há uma quantidade consistente de experiências que alimentam o processo, cada uma diferente da anterior, cada uma ajudando a fazer com que a unidade crie mais, mesmo que você tenha a percepção e o conhecimento de que o trabalho nunca pode ser concluído. Este, para mim, é o eterno e infinito alojado no trabalho. É a força motriz por trás do exercício de aperfeiçoamento. 

Qual é a sua rotina diária de trabalho?

– Prefiro trabalhar de manhã, mas não estou acorrentado a isso. Se estou escrevendo ou trabalhando com uma câmera, começo cedo quando me sinto inspirado e sem pressa para conquistar o dia. Em algumas ocasiões quando saio com a câmera, fico fora o dia todo, observando a luz e como ela se move de acordo com as horas do dia. Acho a dureza da luz ao meio-dia particularmente atraente. É um momento em que muitos fotógrafos se afastam das filmagens porque a luz é forte nos objetos, criando um contraste profundo entre a luz e a escuridão das sombras profundas. É essa luz que atravessa edifícios, tumbas e paisagens que me move. Encontro mais no pouco que a luz fornece. O meio-dia fornece sombras sutis e alongadas que acentuam o assunto e definem claramente suas linhas. Não tenho uma rotina rígida ao trabalhar. Aproveito cada momento e tento tirar o máximo proveito de cada um. Capturando um segundo no tempo em que tudo parece certo. É sempre a luz que estou tentando capturar, sempre a luz que dança para criar sombras e enfatiza a presença.

Por qual de suas criações artísticas você gostaria de ser lembrado?

– Espero, sim, ser lembrado por todo o meu trabalho, e não por uma única peça ou fotografia. A razão para isso é simples. Continuo criando mais e mais fotografias e isso é alimentado pelo meu desejo de melhorar cada dia, tornando as fotografias de hoje melhores do que as de ontem. Estou consciente de que chegará um momento em que não terei mais capacidade de trabalhar. Essa eventualidade chega a todo artista, a toda pessoa que vive. A passagem do tempo significa que há um número finito de fotografias e parágrafos que farei e nada pode mudar isso. Meu desejo é continuar adicionando ao corpo do trabalho e deixar para quem vier depois decidir se existe uma única peça que definirá meu trabalho.

Se você pudesse ter trabalhado dentro de um movimento artístico do passado, qual seria?

– Acho que escolheria o começo da fotografia. Daguerreótipos e processos de placa úmida que se seguiram entre os anos 1830 e 1860. Estar presente quando tudo era novo e inventivo e o mundo estava lá para ser fotografado, documentado e interpretado parece-me um momento mágico de criação. Todo ano trazia novos desenvolvimentos e técnicas para a arte da fotografia. Parecia não haver limites para o que poderia ser feito. A magia se tornou fotografia e mágica da fotografia – um belo yin e yang de infinitas possibilidades.

Como você definiria a fotografia em 140 caracteres ou menos?

– Toda pessoa, construção, paisagem ou obra de arte tem sua identidade, alma, essência e presença do ser. Fotografia é a capacidade de definir essa presença em uma imagem.

Existe uma personalidade ou artista favorito que o inspiram?

– Nunca tive que procurar muito longe as pessoas que me inspiram. Meus pais e família ensinaram pelo exemplo que, o que você faz em sua vida, faça o melhor e o mais criativamente possível; você deve se esforçar para tornar o trabalho de hoje melhor do que o de ontem. É essa ligeira evolução da qualidade no dia a dia que faz com que as pessoas trabalhem atingindo o nível mais alto que podem alcançar. Minha família e amigos continuam a inspirar meu desejo de me esforçar por tanta perfeição em meu trabalho quanto sou capaz. A perfeição é o inatingível, algo que está além do horizonte e fora do alcance, mas que todos nós devemos sempre procurar.

Qual artista do passado você gostaria de ter conhecido?

– Minha lista de artistas com quem gostaria de sentar durante um longo bate-papo é bastante longa. Escolher um é difícil, mas acredito que adoraria conhecer a fotógrafa americana Frances Benjamin Johnston. Nunca me cansei de olhar para as fotografias dela, desde os primeiros jardins e paisagens monocromáticas e pintadas à mão, até suas fotografias arquitetônicas posteriores do projeto Architecture of the South, que ela começou na década de 1920. Suas imagens possuem uma interpretação de seus assuntos e arredores que acho inspiradora, intrigante e freqüentemente efêmera em sua luminosidade. Quando comecei minha carreira em fotografia de arquitetura, era para ela que olhava. Queria criar a mesma intimidade e senso de presença que ela parecia ter conseguido sem esforço. Ao mesmo tempo, estava profundamente ciente da quantidade de pensamento e trabalho que envolvia cada um. Suas imagens tem uma qualidade que me faz sentir como se pudesse entrar nelas e dar uma olhada. Lutei pelo mesmo senso de presença em minhas próprias fotografias. Cada assunto deve ser tratado com carinho, como se fosse o único que você fotografaria. O fotógrafo deve ter uma concentração que leve a um relacionamento pessoal com o assunto, para que ele comece a ver o que está à sua frente. Ver o que os outros não veem, de modo que, quando alguém vê a imagem, vê aquilo que nunca teria visto ou ignorado. Frances Benjamin Johnston conseguiu isso em todas as imagens dela. Por esses motivos, tem valido a pena passar a vida inteira conhecendo seu trabalho.

Você interage com o mundo da tecnologia digital em seu processo criativo?

– Comecei a fotografar digitalmente há mais de quinze anos e, exceto por algumas incursões com minha câmera 4 x 5, gravei muito pouco filme. O controle que o digital oferece é muito superior ao do filme em meu trabalho. O uso do digital me permite uma liberdade que sempre procurava em filmes e gravuras, mas nunca consegui alcançar. Antes mesmo de começar a usar as câmeras digitais, estava convertendo filmes em arquivos digitais para poder produzir impressões com uma gama maior de tons de cinza. Então, acho que posso dizer que estou imerso no aspecto digital da fotografia há mais de vinte anos. Ao trabalhar nos meus livros nos últimos vinte anos, usei continuamente sites de pesquisa de assinaturas da Internet e de banco de dados para aumentar minha pesquisa. Isso me permitiu comunicar com escritores, fotógrafos e pesquisadores de todo o mundo e receber uma resposta em horas, em vez de dias ou semanas, como nos dias em que dependia apenas do correio. Em suma, uso o digital em quase todos os aspectos dos meus trabalhos. Isso me levou a pesquisar descobertas que nunca estariam disponíveis de outra forma sem anos de trabalho e viagens.

Você já teve um momento em que questionou completamente sua carreira?

– Houve momentos no começo em que me perguntei se estava na trajetória certa, mas nunca houve um momento em que duvidei completamente da minha carreira. Estava focado em pesquisar e fotografar arquitetura, sabendo o tempo todo que meu objetivo era combinar tudo isso em livros criados por mim. Ao longo do caminho, contribuí ou fui o principal fotógrafo de vários livros e publicações. Quando sofri contratempos, continuei avançando porque acreditava em mim mesmo e tive a sorte de ter pessoas que acreditavam em mim e no meu trabalho. Para ter sucesso, precisamos de ambos.

Que conselho você daria para um jovem fotógrafo que deseje seguir carreira?

– Raramente o reconhecimento surge no início de uma carreira, portanto, quando começar, nunca se concentre nele, porque o reconhecimento chegará no devido tempo. Encontre sua paixão, ame e siga seus sonhos. Aproveite o tempo para refinar suas habilidades, visão e trabalhar em direção dos seus objetivos. No início, disseram-me para nunca desistir dos meus sonhos, não importa o quanto as coisas pudessem atrapalhar. Descobri que, quando as coisas estavam indo para o pior, sabia que estava indo na direção certa. Você deve seguir em frente e nunca desistir, porque no final são seus sonhos que abrem portas para mundos que você ainda não sabe que existem. Acredite em si mesmo e os outros começarão a acreditar também. Quando você está fazendo o que ama, o trabalho se torna uma experiência de alegria e realização, um presente para o mundo, dando a ele a sua verdade de visão. Nunca desistir.

Qual é a sua maior indulgência na vida?

– Vinte anos atrás, poderia ter respondido a essa pergunta de maneira diferente. As prioridades mudam com os anos. Hoje, acho que estar na companhia de amigos é uma satisfação. Reunião para almoço ou café tornou-se parte da minha rotina. Vários dias por mês, um grupo pequeno e em constante mudança se reúne numa sala na casa de alguém. Essas reuniões duram apenas algumas horas, mas o tempo gasto com outros artistas, escritores, fotógrafos e professores leva à conversas estimulantes e desafiadoras. Todo e qualquer assunto pode ser discutido e expresso nessas reuniões. Cada um me deixa com um senso de equilíbrio, tendo ouvido muitas interpretações das mesmas idéias. Estes são tempos preciosos na minha vida e acho que são sem dúvida a minha maior indulgência – a abertura e a clareza de pensamentos e ideias.

TRADUÇÃO & EDIÇÃO DE TEXTO – Marilane Borges

IMAGEM – Cortesia do fotógrafo © Robert S. Brantley © Princeton Architectural Press