Barbara Hepworth

11 de Novembro de 2019

Embora ela seja frequentemente apresentada como o alter ego feminino de Henry Moore, Barbara Hepworth não teve o mesmo renome que o escultor. Suas carreiras paralelas começaram na Leeds School of Arts, onde a jovem de origem humilde começou a estudar escultura, dando continuidade de 1921 à 1924 no Royal College of Art em Londres, que ainda lecionava de acordo com os cânones do século XIX. De 1924 à 1927, ela viveu em Florença, onde se interessou pela escultura etrusca e românica, e não pela arte renascentista, antes de se juntar ao seu primeiro marido, o escultor John Skeaping, na Escola Britânica de Roma. Foi na capital italiana que aprendeu a escultura direta, uma técnica na qual ela e Henry Moore se especializaram. Em um artigo do The Studio, ela explicou que “o escultor esculpe porque precisa” e declarou seu carinho com a resistência do material duro e foi assim que Barbara Hepworth renovou sua abordagem através do uso de uma diversidade de materiais e cores ao longo de sua carreira de pedra em todas as suas formas – mármore, vários tons de alabastro – e essências de madeira exótica em tons quentes – teca, ébano, plátano, mogno, sequoia, birmanesa madeira, pau-rosa.

O Museu Rodin, em colaboração com a Tate, apresenta até 22 de Março de 2020, o trabalho de Barbara Hepworth (1903-1975), figura importante na escultura britânica do século XX cujas obras abstratas, tão puras quanto poéticas, aspiram a um mundo ideal e pacífico. A exposição que leva o nome da escultora é uma homenagem que o Museu Rodin presta a essa mulher artista através de suas obras marcantes, imbuídas de uma nova estética que convida o visitante a apreciar a escultura de um mundo moderno. A escultura orgânica de Hepworth também é uma visão do contexto histórico em que ela viveu e o vocabulário de Hepworth se opõe aos mundos do pathos, da construção ou do universo mecanicista. Em 1934, ela escreve que seu objetivo é “projetar em um meio plástico um pouco da visão abstrata e universal da beleza.” Sua arte reside inteiramente no jogo entre formas convexas e côncavas, em constante oposição entre o vazio e o cheio. Sob o exterior silencioso de todas as formas, o universo do escultor se torna o lugar de um uma nova aspiração de um mundo ideal, para protegê-lo, segundo Hepworth, “de render-se ao desespero.” Esta mostra fornece uma visão geral de sua carreira e seu trabalho de escultura e pintura, bem como uma visão geral de seus métodos de trabalho através da evocação de seu atelier, muitas fotografias da família completam o percurso da exposição.

As primeiras esculturas da artista tinham como temas os animais, fornecendo a Hepworth abordar um assunto minimalista que a libertou das restrições da tradição figurativa e permitiu que ela levasse seu trabalho aos limites da abstração: Doves (1927) é um bom exemplo dos formatos menores que ela gostava de trabalhar. Hepworth também trabalhou a forma humana e até o início dos anos 30, seus corpos agachados e pesados ​​mostram seu interesse pelas chamadas obras primitivas – um interesse compartilhado por muitos artistas das duas décadas anteriores. De fato, Hepworth e seu segundo marido, o pintor Ben Nicholson, estavam muito envolvidos nas comunidades de arte em constante evolução de Hampstead e Paris. Em 1933, Barbara Hepworth tornou-se membro do grupo Abstraction-Création com Arp, Gropius, Le Corbusier, Hélion e Mondrian; em 1934 participou do experimento da “Unidade Um” com Henry Moore e o crítico Herbert Read, no mesmo período conheceu Picasso, Brancusi e Giacometti em Paris. Criada em 1931 e destruída durante a Segunda Guerra Mundial, sua primeira Forma Perfurada passaria a inspirar Henry Moore: suas formas esburacadas com uma, e mais tarde várias aberturas se tornariam o traço característico de seu trabalho e a permitiu explorar o modo como os materiais reagem à luz e os contrastes entre as superfícies interna e externa de formas geométricas predominantemente feitas de curvas.

Suas primeiras formas perfuradas coincidiram com seus primeiros “grupos”. Seus títulos, como Mãe e Filho (1934) e Forma Grande e Pequena (1934), sugerem uma assimilação de forma e figura. Embora seu movimento em direção à abstração tenha sido atribuído às vezes à maternidade, é mais tentador atribuí-lo às suas experiências coletivas da década de 1930, ainda mais porque suas “formas”, muitas vezes designadas por seus números, rapidamente se tornaram explorações geométricas livres emancipadas de qualquer referência ao corpo. Desde 1940, a adição de cordas e cores aprimorou suas esculturas ovóides com linhas retas e contribuiu para dar o efeito de perspectiva. A guerra forçou a família de Hepworth a se refugiar na Inglaterra, na Cornualha, e inspirou a artista a retornar à figuração, como pode ser visto em uma série de desenhos que descrevem cirurgiões trabalhando (Reconstruction, 1947). Refúgio precário a princípio, o estúdio de jardinagem de sua nova casa tornou-se uma paisagem em que ela começou a trabalhar em esculturas ao ar livre, algumas das quais se tornariam as mais icônicas.

Seus nomes – Pelagos (1946), Anthos (1946), Eidos (1947), Elegia III (1966) – se referem ao mar e à Grécia, muito antes dela visitar o país, esse foi o período em que a artista foi oficialmente reconhecida: em 1950, dois anos depois de Henry Moore, ela representou a escultura britânica na Bienal de Veneza. Seus formatos se tornaram cada vez maiores, em resposta às comissões públicas que ela começou a receber, o que também a levou a optar por metais mais leves, mais resistentes e dúcteis, como bronze, cobre ou latão, à partir da década de 1950. É o caso do Meridian (1958-1960), um bronze de cinco metros de altura feito para a State House em Londres. No ano seguinte à morte de Hepworth em um incêndio acidental em seu estúdio em St. Ives, o local foi convertido de acordo com seus desejos no Museu Barbara Hepworth, que se tornou uma extensão da Galeria Tate em 1980. Um segundo museu dedicado a escultora, o Hepworth Wakefield, inaugurado em 2011 em sua cidade natal.

A editora In Fine Editions é quem publica o catálogo dessa exposição sob a direção de Catherine Chevillot, Curadora Geral do Patrimônio, Diretora do Museu Rodin e Sara Matson, Curadora de Exposições e Coleções Permanentes, Curadora-Chefe do Museu Barbara Hepworth, Tate St. Ives. A publicação traça a história da artista, que começou sua carreira como escultora em Londres no final da década de 1920 e se estabeleceu em St Ives, desde o início da guerra, onde ela passou trinta e seis anos – exatamente metade de sua vida – na cidade, e rapidamente suas criações foram articuladas em torno da vanguarda do movimento moderno. O livro descreve sua vida e obra, fornecendo uma pesquisa atualizada sobre o impulso por trás da clareza formal de sua criação escultural, como uma tentativa de “manter o belo pensamento” em meio às dificuldades em que a artista vivia. Com fotografias coloridas das mais famosas esculturas de Hepworth e imagens do seu atelier, a publicação conta com a contribuição de Alan Bowness e Sophie Bowness, ambos historiadores de arte do Hepworth Estate.

IMAGEM © Musée Rodin © Barbara Hepworth Museum, St Ives, April 2018 © Cortesia In Fine Editions, 2019

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