Seres esculturais

“Faço peças que refletem a jornada em que estou. Eles são seres esculturais que olham de volta para mim e me ajudam a aprender algo. Ouço a mim mesma, ouço as dimensões etéreas e então transformo o que me foi dito em um ser”, afirma a escultora indígena Rose B. Simpson. Leia abaixo sua declaração pessoal de amor à arte escultural e como o seu processo criativo interfere na sua propria vida pessoal.

“Às vezes não entendo a mensagem de imediato, mas o processo de fazer algo e ver o processo de fazê-lo refletido de volta para mim me ajuda a transformar a maneira como penso ou navego no mundo. Através dessa troca com esses seres que vêm através de mim, estou construindo novos caminhos neurais. Espero que, quando estiverem no mundo, possam ajudar os outros a fazer o mesmo.

Sou de Santa Clara Pueblo, no Novo México. Minha mãe escolheu criar a mim e meus outros irmãos aqui, mas eu ia para a casa do meu pai todo fim de semana em Santa Fé. Ele é branco e também é artista – escultor em bronze, madeira e metal. Fui para a escola tribal por um tempo, e então fui educada em casa com meu irmão da quarta à sétima série. Por causa disso, estava imersa em seu mundo.

Minha mãe tem um instituto de permacultura, é uma organização sem fins lucrativos que se baseia no estudo e na prática de sistemas de vida sustentáveis como os de nossos ancestrais. Não tínhamos eletricidade. Cultivamos nossa comida e comemos nossos animais de estimação. Estávamos em regime de homesteading. Eu não sabia que não era normal de muitas maneiras.

Minha mãe também era uma artista contemporânea em nossa comunidade; ela era oleira, mas também fazia esculturas usando o método tradicional da bobina. É assim que construímos cerâmica à mão, mas ela fez pessoas. Ela sustentou nossa família com suas obras de arte.

Ela levava suas peças para o Mercado Indiano de Santa Fé, as vendia e ganhava o dinheiro para o ano, que não era muito. Isso criou um caminho neural na minha cabeça de que você pode sustentar sua família com sua arte, como todo mundo faz aqui.

Originalmente, eu não queria trabalhar no barro. Depois fui para a Universidade do Novo México, onde estudei gravura, e fiz um curso de cerâmica para obter crédito fácil. Estava tipo, “Espere um minuto, eu tenho isso.” Realmente interessada na cultura jovem no final dos anos 90, início dos anos 2000.

Minha paixão era desenhar a vibe ao redor, que envolvia coisas como hip-hop e grafite. Eu participava de um monte de bandas, grupo de hip-hop. E mais tarde, comecei a andar de skate e cantar em uma banda punk experimental. Comecei a pensar: Ah, eu poderia fazer esses personagens que desenho.

Comecei a experimentar: “Qual é a minha experiência pessoal de ser um nativo moderno na cultura jovem? Como é alguém que tem um pé em vários mundos e se preocupa muito com eles?” Trabalhar com as mãos é um processo muito espiritual e a argila é um material super receptivo. Ele sabe quando você está infeliz, sabe quando está feliz e então reage ao seu estado emocional. Acho que voltei ao barro, porque me ajudou a ter mais autoconsciência.

Frequentei a Rhode Island School of Design para pós-graduação. Quando cheguei lá, comecei a desafiar o próprio processo de criação. Desenvolvi essa metodologia que chamo de laje chapada. Jogo a argila de lado até ficar super fina, e então construo com ela, colocando peças umas sobre as outras [para um efeito de telha]. Isso força você a ficar conectada com o processo em si. Você não pode voltar e consertar ou mudar, porque as estruturas são super, super finas.

Também penso no impacto ambiental da produção de arte e em quantos recursos usamos. Tento fazer o mínimo de desperdício. Com peças de laje chapada, há muito pouco. Mas você tem que ser compassivo com o que a peça se transforma para se ser, em vez de se agarrar à ideia de perfeição e querer que ela se encaixe nesse molde.

Muito do meu trabalho naquela época estava focado na ideia de um guerreiro que experimentou transformar sua aparência. Minhas peças tinham muitas coisas amarradas nelas, eram objetos fortalecidos de várias maneiras.

Como a laje chapada é frágil, construo a maior parte do meu trabalho em bobinas, especialmente as peças grandes. A técnica é fácil para mim, porque observei minha mãe fazê-la repetidas vezes. Acho que isso foi um presente hereditário que recebi. Costumo pensar em nossa relação ancestral com a argila e no fato de que ela está incorporada em nosso DNA.

Enquanto navegava na criação da minha exposição, “Road Less Traveled”, atualmente em exibição na Jack Shainman Gallery, me permitindo procurar uma alternativa para os principais caminhos neurais que desenvolvi ao longo da minha vida.

Percebi que os julgamentos que fiz sobre o conceito de coragem, por exemplo, é um confronto, uma negação do medo. Constatei que a coragem às vezes pode parecer vulnerabilidade e humildade em momentos em que queremos estar no controle. Se posso ficar na minha vulnerabilidade e na minha verdade, mesmo em uma situação assustadora, isso é muito corajoso.

Há uma peça no programa chamada Conjured Two, e é uma cabeça que está sobre um pedaço de madeira com uma nuvem de anéis de cerâmica na testa. É sobre a capacidade de sonhar algo e depois torná-lo realidade.

Especificamente, Conjure Two é sobre um novo estúdio que estou construindo, o que é realmente um sonho se transformando em realidade. A base é feita de alguns restos de pinho do processo de construção. É muito mais um reconhecimento do fato de que algo que eu realmente queria está acontecendo.

Outra peça da mostra que acho muito legal é o Release. É a peça mais alta da exposição. Inicialmente, teria três pés e meio ou quatro pés, mas quando comecei a construí-lo, acabou ficando cada vez mais alto. A ideia por trás disso é liberar todos os pensamentos e julgamentos que temos e permitir que algo novo aconteça. A peça tem um colar para os braços e é agarrada ao chão, então é um momento que evoca calma e graciosidade.

Não uso esmalte em nenhum dos meus trabalhos; a cor da argila é importante para mim porque é fundamental. Todas as marcações que uso representam algo, seja o sinal de mais, que é a estrela para orientação; o X, que é de proteção; ou rastros de animais, que representam o caminho que percorremos.

Costumava amarrar muitos objetos encontrados nas minhas peças. Tenho essas coleções de arruelas de metal enferrujado e coisas assim. Tenho feito muitos colares com materiais encontrados como pedra, osso, vidro, lava, madeira e couro.

Gosto muito da energia que carregam, porque fazem referência à nossa relação com o mundo natural. Mais recentemente, deixei-os de lado e simplifiquei as coisas, mas ainda uso peças de automóveis com frequência, porque os carros são importantes para mim – tenho uma oficina mecânica – e também são embarcações.

Sou o canal para este trabalho estar no mundo. Sempre penso que quando corto as fendas dos olhos na argila, eles acordam. Às vezes é realmente um momento poderoso. Eu digo: “Uau, olá, olá.” Eu os encontro pela primeira vez e me pergunto qual será a jornada deles. Tenho que confiar que onde eles vão é onde eles precisam trabalhar, porque eles estão no controle de sua própria existência. Onde eles vão é onde eles queriam ir. Há um senso de fé, eu acho.”

Reportagem Especial Correspondance Magazine®